学习服装设计绝非易事，更遑论自学服装设计。我以自身经历出发，希望为大家自学服装设计提供一个框架。

　　在涉及具体的学习思路与路径之前，我们要首先搞清楚“服装设计”到底是什么。（之前说讨厌万字长文，这篇就打脸了……

　　一定要纠结这个问题，是因为中文语境中的“服装设计”对应的其实是国际上常见的两个概念：fashion design以及apparel design。如果不首先进行辨析，那么我们甚至没办法知道题主想自学的到底是哪一个。

　　如果咬文嚼字一些，fashion design应该被称为“时装设计”，因为fashion本身即有“时装业”时装学的语义，词义偏向“定制化”“风格”“流行/潮流”等；而apparel design则应该被称为“衣服设计”，与clothing为同义词，语义偏向“日常穿着”“大批量生产”“品牌大众”。

　　说得烂俗一些，fashion在词义上应更“阳春白雪”，而apparel更“下里巴人”。而我们国内由于多年沿袭下来的语言习惯，并未对这两个概念加以清晰区分；fashion与“时装”对应的语境，似乎只有“时装周”“时装秀”以及在我们专业范畴内的“时装画”。

　　词义辨析之外，这其中更深刻的差别其实在于教学理念的差异与变革。我们国内的服设教学自上世纪80年代起，就一直处在变革的进程当中。在最初的概念里，“服装设计”即是“衣服（clothing/apparel）设计”，在当时的经济、社会、文化条件下，我们对于所谓“时尚”“潮流”的接受程度并不高，甚至在很大程度上对其持排斥的态度。

　　另一方面，最初服装设计教育的方向并不明确，绝大部分师资都是从“工艺美术”大类划拨而来，服装设计学生也都是从美术专业的考生调剂而来。这样的师生搭配与教学试验对我国的服设教学产生了深远影响，风格上重“工”，重“画”，而轻“艺”，轻“设计”，不少学校对于服装设计的考核甚至仅仅停留在“效果图”，而不看剪裁、更不看成品。

　　在当时，不少企业在招聘服装设计人才时很头疼，因为毕业生基本处于“两不靠”的状态，既不懂设计，也不懂制作。由此，大部分院校开始将制版、缝纫作为基础课与考核内容，基本解决了服装设计毕业生不会“做衣服”的尴尬。但一方面，由于教学方式比较死板，只让学生死记硬背各种版式的数据与公式，而不加入更加直观的立体剪裁等课程，让整个学习过程乐趣全无，也压抑了设计潜力的发挥。

　　随着我们国家经济的稳定繁荣发展，大家对“时尚”愈发重视，毕竟“爱美”与“臭美”是深深印在人类基因里的（雾。社会观念的转变必定带动产业的升级，而产业的变革也对招募的人才有了新的要求，促使我国开设服装设计的院校不断革新，与国际接轨。在这过程中，已经有一大批无法适应市场的服装设计专业被淘汰。而国内服装设计教育的佼佼者，例如北京服装学院与东华大学，一直走在课程与教学改革的前列，目前其课程设置与结构基本与国外名校一致，并有多个运作成功的服装设计教学工作室，不少毕业生会选择去英国的皇艺、圣马丁、伦敦时装学院等，基本无缝对接。

　　总结起来，我们国家对于服装设计教育的认知与变革，正是从单纯的apparel drawing，到apparel production/construction，再到当代语义下fashion design的进步。所以，作为对题主问题的回应，我首先认定题主希望自学的是现代中文语境下的“服装设计”，国际通行的fashion design。

　　自学服装设计是一个大工程，绝非看几本书、浏览几个网站就能完成；无论草图、制版、乃至缝纫、剪裁，绝大部分内容其实都需要找到好的领路人，当面一点点学，一点点改。如果有出国的打算，那么学习的重心应该落在灵感收集、调研（一手、二手）、面料选择、立裁等方面，而非制版。作为一路走下来的人，我仅根据个人经验提供一个大致的框架，并附上一些实用的书籍等，祝早日入门。

　　我的框架主要有这几部分：手绘、色彩、面料、打版、缝纫。前几个部分以文字形式讲述难度尚可，但从打版开始，仅仅文字或者图片已经没办法给出比较整合的知识，甚至视频能做的也有限，原因很简单：无法即时纠错。因此，我只能尽我所能把该表述的表述清楚，其他部分大家一定在实践中体会。

　　时装画是一种非常个人化的草图创作手段。由于根本目的是展现自己的idea和concept，因此人体比例经常比较夸张，达到九头身甚至十头身；而现实中的普通人则一般是七头身或八头身（现实暴击……这就是为什么模特身上的衣服，我们穿起来总是不好看。

　　在讲时装画的具体内容之前，容我先说一句：手绘或者绘画基础并不是学习服装设计的必要前提。这句话可能对于国内传统的服设院校和专业来说是“大不敬”，但事实确实如此，只是国内外在服设教学的理念和步调不大一致，我们前文已经帮大家厘清楚了。

　　看过前文对于fashion/apparel的辨析、以及我们国内对于服装设计教育的变革之后，大家就会明白，正是由于fashion天然的“独创”与“不可复制”的特性，国外的fashion教育天然地将手绘仅仅作为整个设计的辅助手段，只用于大致呈现最终的Line-up。比手绘更重要的是剪裁与面料选择，比这两点还重要的是创意。

　　所以在不少录取英美名校的作品中，大家会看到sketch并不出彩，甚至觉得有些丑陋。有不少国内体系学习的同学看到申国外院校的作品，总会觉得他们的手绘太随意了，自成一派，简直“远近高低各不同”；更别说各位大咖的手稿了，几乎张张都是个人风格极其鲜明的艺术品了。

　　可以看到，最重要的是你的主题、创意、对人的思考、对人与社会关系的探讨，而时装画只是辅助手段。

　　此外，从细分的领域来看，如果从事创意或高端服装设计（定制礼服、婚纱、西装等），立裁是最能展现你灵气的手段，而不是手绘。服装设计是以成品论英雄的，你的成品基本是展现你创意的唯一途径：换句话说，时装画（草图）是给自己看的，成品才是给别人看的。而“成品”的呈现方式，基本上都是照片与视频，同样没有手绘发挥作用的地方。

　　大不敬的话讲完了，希望大家在没有明确目的、盲目开始学之前有能够有一个基本的认识。在学习地点方面，最好先决定到底是走国内还是国外体系。

　　然而，为了顾及更多完全零基础的同学，我仍然从最最基础的手绘讲起，确保大家的知识没有盲区。1. 人体速写

　　画人体速写，我们不需要画得非常细节、生动，妆容与发型也不可喧宾夺主；因为这只是你的“衣服架子”，正如服装店中的模特。当你画习惯了、有了自己顺手的模板与造型，你完全可以将其数码化，有需要时就打印出来，省时省力。但这里要注意，这个template能且只能是你原创的，切不可“拿来主义”。

　　我们以最常见的女性直立站姿模特为例。整个人体大致可以被分为三个等分的部分：从头顶到腰部，从腰部到膝盖，以及从膝盖到脚部。我们说的九头身或十头身，多出来的部分基本是通过拉长腿实现的（跟我们P照片的思路一致……）。

　　肩线、腰线与臀线是三个非常重要的交叉线，在人水平状态站立的情况下，都呈平行状态；而如果变换姿势或处在运动状态下，我们需要合理调整这三条线来体现动势以及体重的转移。

　　如果对这个没有概念，你最好了解一下肌肉组织和骨骼结构，这可以帮助你更好地了解人体所表现的外在形态。当然你并不需要熟记每个肌肉和骨骼的名称，只需要了解皮肤下各个骨骼的组成、关节的作用、以及覆盖在其上的肌肉的相互结构与运动形态时的组织关系。

　　直立站姿之后，我们可以尝试不同的站姿，以配合你的服装表达不同的情绪与态度。而做到这一点并不容易，因为哪怕只是一只胳膊换了位置，肩线、腰线都要变动，而且人的肌肉群、骨骼与体重的转移都要体现出来。所谓“骨骼带动肌肉，肌肉带动表皮”。

　　(1) 首先，需要在图纸上画一条竖线（即中心线，balance line）来表示模特在纸上的高度，并将这条线依次等分为九份或十份，其中头部占一份。当然，你也可以根据自己的喜好和需求来调整高度，一切为你的作品服务。

　　《伯里曼》一书中，作者也有教授通过圆柱体与四边体的穿插结合来进行人物形态的定位。根据人体不同部位的形状来轻勾出草图，这就需要大量的人体实物练习来提高你的定型水平；能够快速并准确地描绘出一个模特的动态走势图，这样才能真正掌握人体结构定型能力。

　　(2) 在一等分的椭圆形头部中，你需要按照五官比例画出相应的眼睛、鼻子等五官，借助辅助线来确定他们在脸上的位置。椭圆形的中竖线是按照脸部额头中心、鼻子中心和下巴中心所连接成的面部朝向中线，而横中线则是确定眼睛的中心线。同时，按照头部的朝向不同，也需根据朝向将椭圆形倾斜相应的角度。

　　眼睛（着重描绘）：上眼睑与睫毛可重点描绘或加粗；眼球需要表现出球状的弧度感。

　　鼻子：通常在画时装画的时候，我们不会过多刻画鼻子结构，而仅以简单的几笔线条带过；需打上些许阴影显示立体。

　　嘴唇（着重描绘）：嘴唇需要表现出肌肉的丰满感，需要注意表现上唇与下唇的弧度。

　　颈部：在时装画中，脖颈通常要画的长些，从而体现模特的优雅与纤细感（再次暴击。在了解颈部肌肉的基本组织结构后，需要准确把握颈部转动下的肌肉结构变化；通常，我们会利用脖颈的外轮廓线与下巴处和肩颈部线条的交错对接来表现转动的感觉。颈部是一个圆柱体，需要注意描绘时要表现出脖颈的体积感；此外，在描绘服装领口的时候，需要画出透视的感觉，把线条延伸进去。

　　四肢：四肢的描绘应使用连贯的、稍弯曲的线条，尽量避免短促的、“毛碎”的线条，从而体现女性的高挑与气质。

　　其中手臂分为上臂和下臂，都是形似圆柱体的结构，中间的连接肘关节是形似球体的结构。通过线条连接表现出手臂的体积感，肘关节的轮廓需要突出。

　　手：我们都说“画人难画手”，这是因为手部的关节很多，需要反复地练习不同姿势的手来加强手部绘画的能力。手的长度通常是下巴到额头发际线的长度，我们通过圆柱体与球体来分解描绘出手指的形态，在通过类似梯形来表现手掌；在通过几何体的草图定型后，才能细节刻画每根手指。

　　我说的效果图，英文为fashion illustration，最原本的意思是“时尚插画”。在没有相机的年代，手绘的时尚插画是宣传最新服饰款式最主要的的方式，常见于报刊杂志中。后来随着技术的进步，越来越多的设计师和公司开始使用软件来绘图，使用得最多的就是CAD（computer-aided design）类软件，如PS、AI等。之后我会更新详细的软件教程，链接会更新在这里。

　　我们刚才讲过，我们在做模特速写时，常常通过姿势的变换来表达感情与情绪，而“情绪”恰恰是时装画的灵魂，而非技法。

　　首先，我们要保证的是，在整个版面上，你的模特与衣服应该是突出的，而背景应该是单色的、无修饰的，从而确保你的人物永远是突出的，吸睛的。

　　其次，即使是加上了不同的服装与首饰，你的效果图仍然需要线条简明、干练，不要过多的零碎小线段与修改痕迹。

　　最重要的，还是我们之前所讲的，要做到“举重若轻”，尽量不要通过繁复的细节分散观看者的注意力，不要产生误解。

　　接下来需要注意的就是色彩搭配与面料表现。因为你的fashion illustration是一个整体，体现的是你的idea与成品的综合体，人体速写作为基础我先给大家铺起来，其他的部分我们一点一点讲。

　　《伯里曼人体结构绘画教学》：这本书内容细致，从头部的五官、轮廓、平面、构造、组块分布、透视画法，到颈部、躯干、肩胛骨、胳膊、手臂、肘关节、手部，再到骨盆、下肢、脚，最后到外部的着装、体积感和躯体的韵律，作者都给予了逐步讲解，并且通过基础测量理论来讲解如何画人体的轮廓和比例。

　　《时装画手绘表现技法·从基础到进阶》：从人体比例结构讲起，覆盖动态表现、着装表现，通过具体的步骤分析、讲解不同面料和风格的描绘方法。

　　《时装画技法·造型设计与手绘表现》：这本书主要以女装时装画的绘制为基础，知识讲述深入浅出，直观易懂。这本书也是不少服设培训机构的用书。

　　Fashion Illustration Techniques：这是一本实用、翔实的时装画书籍，也是不少学校、培训机构使用的教材，非常适合完全零基础的同学。

　　Drawing for Fashion Designers：这本书算是一本时装画的集大成之作，涉及的话题非常广泛，从基本的灵感收集与归类，到草图绘制，再到学习行业标准，甚至到市场与消费者心理分析，作者都有细致深入的介绍和讲解。

　　9 Heads：这本书可以算作时装画的《圣经》，内容异常充实，不仅有细致的手绘讲解，还有对Photoshop创作时装画的介绍与技巧。

　　Advanced Fashion Drawing：这本可以说是我当年的personal favourite。如果你已经对时装画“走火入魔”，心中无时无刻不在琢磨钻研时装画技巧，那么这本书就是最适合“画痴”使用的，因为作者讨论的是如何让时装画更高级、更有技巧。如果希望之后成为一名成熟、出色、个人风格明显的服装设计师(至少是一名fashion illustrator），那么这本书会教会你很多。

　　色彩无处不在，同时也是服装设计中的三要素之一（另两个要素为面料与款式）。我们的色彩选用应该不仅能够充分表达你的“情感”，更应该首先符合颜色搭配的基本原则。

　　关于色彩的产生，如光的波长、频率、振幅等，我这里暂不赘述，这种知识对于入门的大家来说并不必要。之后如果有时间了，我来跟大家认线. 基本概念

　　红、黄、蓝。为什么把这三个颜色称为“原色”（也有叫法是基色）呢？这是因为，这三个颜色无法由别的色彩调配而成。不同的行业中，三原色的色值会稍有不同。间色

　　两种原色混色而成的颜色。如果觉得这个名字难记，你也可以称之为“二次色”。>

　　原色与间色

　　将一种原色与一种间色混合而得出的颜色。它也有另一个名字，“三次色”。在实际应用中，低饱和度的复色是我们最常用的。>

　　主要工具之一，你可以根据自己的需求、偏好、或设计项目的复杂程度来制作色轮，将一个圆分为12等分、24等分甚至更多。之后，将红黄蓝置于等距的三份之中，并开始创作二次色、三次色等等，这样你就得到了一个自己的色轮。>

　　一个复杂的色轮

　　我们学习艺术，在形容颜色的时候，不应仅会将其简单归类为“紫色”“蓝色”等；在设计行业里，我们有多项维度

　　最直观、最直觉的方式来描述出的颜色，即红色、蓝色等等。基本的色相并不多，可以勉强概括为“红橙黄绿蓝紫”。而黑、白、灰三色则没有色相，为中立色。饱和度

　　纯度，用来形容色彩的鲜艳程度。饱和度最高时，颜色最显眼、最纯粹。但我们在配色时，不可能仅使用纯色；在不同场景下，我们会不同程度地降低颜色的饱和度，使其从“艳”变“淡”，从而更方便表达我们的情绪。降低饱和度的方法有很多，但如果不想改变色相，也即不希望改变基本的颜色，我们通常会使用灰色、白色或黑色。>

　　amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;quot;红色amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;quot;饱和度从高到低示例

　　明/浅色调（tint）、暗/深色调（shade）：不同的色调只是同一种颜色的变体（variety）。如果我们在某种颜色的色相中加入白色

　　对眼睛更加友好，我们日常生活中基本上所有颜色都经过toned处理。中文语境下，仅将tone译为“色调”，其实算是误译。>

　　物体反射光的多少；反射的越多，则明度越高；而完全无反射，则明度为0，成了纯黑色。明度的变化常常与色调相关：加入白色的颜色，明度会升高，同时变为浅色调，饱和度降低；加入黑色的颜色，则明度下降，深色调，饱和度也降低。3. 配色（colour scheme）

　　丰富，同时也保证了视觉上没有大的冲击感、紧张感，给人以舒缓、细节的感受。>

　　对比性很强，因此在服装设计中，我们通常要降低饱和度、改变色调来让观者的体验更舒适。>

　　“暖”，即色轮的左右两边。通常情况下，我们讲的“暖色”基本是红色、橙色、黄色等，给人的感觉是活泼、热烈、带动周围气氛；而“冷色”基本是蓝色、绿色、紫色等，给人以沉静、舒缓的感受。此外，黑色与白色是中立色

　　面料、纹路充分结合，甚至还要考虑到肤色。在服装设计者中，原色系常常用于点缀、高光等，给平淡的搭配以活力；这也是为什么运动服饰中会大量使用原色系，甚至将其作为主色。一些设计师更加偏爱黑与白，常常用其作为主色，不加点缀或仅加很少的修饰。>

　　FIT录取作品集示例。可以看一下配色，基本采用相邻色+纯黑白色，观感较好

　　引人入胜的原因之一：主观的、随机的、无征兆的、出乎意料的喜好与厌恶。这，不也正是人性所在么。>

　　织物、面料上所产生的效果也并不相同。此外，各品牌、设计师在不同季节为自己的系列（collection）选择不同的主色调（palette），而主色调的选择灵感可能来源于各地的面料集市，或者面料实验室的最新成果。尽管系列中的单品各自有所区别，但在专业设计师的手中，各个单品是相关联

　　纽带，就是palette。palette英文原意为“调色板”，引申出“常用色的组合”这一含义。设计师通过对自己当季palette中不同颜色的调配，为不同的单品赋予不同的面孔与同一个灵魂。>

　　主观的行为，因此我在这里只想大家推荐一些趣味性和实用性的书，起一个入门作用。

　　风格和特点，更影响着服装整体的效果、整个系列的系列感、服装造型的表现效果。面料相关的知识同样很庞杂

　　(Woven Fabric) 也称机织物，是一种把经纱和纬纱相互垂直交织在一起的织物。基本的三种组织是平纹(plain)、斜纹(twill)、缎纹(satin weave)。其他不同的梭织面料也是基于这三种组织变形而构成的，比如，雪纺(Chiffon)、牛津布(Oxford)、牛仔布(Denim)、斜纹布(Twill)、法兰绒(Flannel)、花缎(Damask)等。>

　　三种组织示意。来源：hzhcf

　　(Knitted Fabric) 是用织针将纱线或长丝构成线圈，再把线圈相互串套而成，有单双面之分。由于针织物的线圈结构特征，单位长度内储纱量较多，因此大多有很好的弹性。主要有汗布(single Jersey)、天鹅绒(velour)、鸟眼布(birdeyes)、网眼布(mersh fishnet)等。>

　　包括各类棉纺织品，分为全棉、人造棉等。由于其轻松保暖，质感柔和较为贴身，吸湿性和透气性很好，所以通常用来制作休闲装、内衣和衬衫，但是穿时间常后棉质面料容易缩水与起皱，外观上会出现松弛拖沓的效果，所以需要时常熨烫。>

　　是一种由、亚麻、苎麻、黄麻、剑麻、蕉麻等各种麻类植物纤维编织制成的一种面料。由于质量强度极高，吸湿性、导热性和透气性好，所以通常被用来作为休闲装、工装、和普通夏装的面料。同时，质地比较粗糙生硬，可能会磨损皮肤，穿着体验感不佳。>

　　是一种由蚕丝作为原料纺织而成的各种丝织物，由于其轻薄合身、顺滑透气、柔软贴服，颜色种类也繁多。织物光泽感较强，所以可以用来制作多种多样的女装，但是和棉布一样容易起褶皱，面料质量也比较脆弱，而且褪色很快，所以只适合短期穿戴。>

　　面料也叫毛料，其下有各类羊毛、羊绒织物等。由于它防皱耐磨，手感较为柔软，挺括性和弹性较强，同时又十分保暖，所以可以被用来制成礼服、西装、大衣等高级服装，但是洗涤的时候需要注意成分不同的缩水率，洗涤方式会比较麻烦，而且过于厚，所以不适合用于夏装。>

　　是通过鞣制做成的动物皮毛面料，分为革皮（去毛处理的皮革）和裘皮（处理过的连皮带毛的皮革）。由于其轻盈保暖、质感很好，所以常被用于制作冬装、时装，但是这种面料的服装价格较为高昂，而且要注重定期护理和好的储藏方式。>

　　通常被称为化纤，它是以高分子化合物为原料做成的纤维纺织品，通分为人工纤维和合成纤维。这种面料色彩鲜艳、质地柔软、悬垂性强、舒适感好，但不耐磨、不耐热、透气性不好，高温下容易变形，并且很容易产生静电。>

　　是一种融合了棉、麻、丝、毛和化纤各自的优点的一种混合纺织的面料，它是以天然纤维和化学纤维按照一定比例混合而成，价格实惠，可用来制成各种服装，所以使用率很高。>

　　面料部分我同样不会讲很多，因为除了你可以在图片上看到的、通过文字描述理解到的之外，更重要的是你真正能够实地观察到

　　摸到这些面料，以及你的视觉、触觉、灵感如何与这些面料碰撞，迸发出怎样的创意，是非常主观的。因此，作为自学的入门教程，我只带你了解有哪些面料、各种面料的特征，其余部分必须你自己来体会。接下来就是一些面料方面的书籍推荐，只三本，因为刚才讲到了，对于面料我们必须亲眼去看，亲手去感受，书也只能作个指引。

　　记录所学习和喜欢的面料，制作属于自己的面料手册。当然记录的手法因人而异，比如棉质面料可以使用平铺的方式绘制，可以用marker或者水彩颜料，而麻布可以使用色粉或者油画棒来展现那种粗糙编织的质感，等等。在这之后，大家就可以初步尝试将面料的细节融入自己的时装画

　　之前讲效果图时，我们说illustration应该更多地表达情绪与个性。可能有的同学会问，只凭借表达情绪的效果图，做得出衣服吗？我们接下来就讨论这个问题。我们通常有两步来确保效果图与成品基本无异：款式图与平面制版

　　画出正面与背面。与之前的效果图相比，我们通过款式平面图可以增添设计上的诸多细节，尤其在技术层面。因为如果我们的设计不在高定级别，那么就极有可能是成衣或高级成衣，而这就意味着我们必须要尽量以精准的尺寸、剪裁向制版员和工厂沟通，确保小规模或大规模生产的各项标准。>

　　flats+illustration示意

　　，再制成服装的技术手法。这个定义已经将立体剪裁的基本步骤做了概述。 那么，与平面制版相比，立体剪裁有什么

　　呢？ 首先，我们必须明确，立裁也是制版的一种方式。 第二，立裁主要依靠我们的视觉进行操作，因此

　　。 第五，立裁由于不受数据和公式的束缚，无法像平面制版一样进行批量生产，因此更多用于

　　即是英文draping（立裁）的音译。将备布挂在人台上，保证布的纱向在关键部位保持垂直水平，并用大头针固定造型。

　　：这本书融合了打版和缝纫，作者用20余年的服装制作经历总结出服装制作的十个流程，很有学习价值。

　　三部曲：中道友子是日本文化学院的教授，她的制版技术使服装结构变得多样起来，书中还会有详细的步骤解读，简单易懂，感兴趣的同学可以根据步骤进行制作，学习过后在制版技术上也会有很大的提高。

　　Metric Pattern Cutting for Menswear；Metric Pattern Cutting for Women’s Wear

　　：这是作者分别为男装和女装制版撰写的书，自1975年首次出版后经久不衰，至今已是第五版，从制版的原则、流程、技巧等多个方面进行介绍和讲解，并附有多个样板供自学参考。

　　：这本书算是立裁的必看之一了，通俗易懂，深入浅出，缺点就是太贵……当年我没舍得买全新的，在学校的fair买了二手，收藏至今。

　　：来自大神山本耀司。这本书并不属于技术范畴，但对做服装有一定的指导。这本书会通过山本耀司本人的设计经历和设计时的心路活动来讲解做衣服的意义，其中还会穿插他工作时的照片，还有部分手稿，这本书对刚入门或者是迷茫期的设计师会有开蒙的作用。

　　：缝纫方面的权威教材，从零基础到熟练，教程非常细致，完全是step-by-step，适合零基础入门的同学。

　　精益求精，更加细致。在了解各个时尚风格之前，我们需要了解的是服装的历史。随着历史的发展，各个服装风格也在演变着，当今很多设计都是retro款，很多设计师也很喜欢回顾以前的服装款式

　　藏书，有兴趣的同学可以尝试买二手进行学习。我会在专栏文章中粗略讲解20世纪00年代至90年代的服装演变风格，并更新链接在这里

　　：这本书是服装史学习的必备，作者从社会、经济、技术等多个方面对20世纪服装的演变史进行阐释，并且对整个服装产业在这一进程中的发展做了详细阐述。

　　：这是两位服装史研究大咖，本书探讨了男装、女装、发式、甚至珠宝在20世纪的发展历史，尤其结合了20世纪重大历史事件，娓娓道来。